Januar: „Manche mögen’s wilderesk“. Podcast zum Billy Wilder-Jubiläumsjahr 2026: Rainer Rother gibt Auskunft. 2026 wäre Billy Wilder Hundertzwanzig geworden. Der späterhin weltbekannte Regisseur kommt am 22. Juni 1906 im Ort Sucha zur Welt,  im damaligen Galizien, Nähe Krakau. Seine Eltern sind Max und Eugenia Wilder. Die Mutter ruft ihn „Billie“. Sein Vater führt ein Hotel in Krakau. 1916 flieht die Familie nach Wien. Mit knapp 20 kommt Wilder nach Berlin und wird als Reporter tätig. Nebenbei verdient er sich etwas dazu, als Eintänzer im Hotel „Eden“. Bald wechselt er zum Drehbuch über: der Beginn einer großartigen Karriere. 1933 reist er nach Paris und von dort in die USA aus. Als Regisseur, Drehbuchschreiber und Produzent erhielt Billy Wilder 21 Oscar-Nominierungen und sechs Oscars. Interessant für ihn: die Spannung zwischen Konformisten und Außenseitern, zwischen Norm und Identität. Er steht für Wortwitz und zündende Gags, schreibt aber auch mit nichtkomödiantischen Werken Filmgeschichte. Und vor allem hat er sich zum Ziel gesetzt, nie zu langweilen. 
Rainer Rother wurde 1956 in Vechta geboren, studierte Germanistik und Geschichte an der Universität Hannover. Von 1991 bis 2006 war er Leiter der Kinemathek des Deutschen Historischen Museums. Von 2006 – 2025 war Dr. Rainer Rother Künstlerischer Direktor der Deutschen Kinemathek, Museum für Film und Fernsehen. Von 2001 bis 2019: Mitglied der Auswahlkommission für den Wettbewerb der Internationalen Filmfestspiele Berlin. Er leitete seit 2006 die Retrospektive der Berlinale und zeichnet für die Berlinale Classics verantwortlich. Bei den 75. Internationalen Filmfestspielen Berlin im Februar 2025 erfolgte die Auszeichnung mit der Berlinale Kamera. Rainer Rother ist Autor mehrerer Bücher wie etwa  „Zeitbilder. Filme des Nationalsozialismus“, „Nina Hoss“, „Leni Riefenstahl. Die Verführung des Talents“; Herausgeber u. a. von: „King Vidor”, „Selbstbestimmt. Perspektiven von Filmemacherinnen”, „Weimarer Kino – neu gesehen”, „Linientreu und populär: Das Ufa-Imperium 1933 bis 1945“, „Sachwörterbuch Film“ sowie zahlreiche Ausstellungskataloge.  Zum Einstieg ins Billy Wilder-Jubiläumsjahr 2026 also unser Interview für alle, die’s wilderesk mögen.

März: „Eine Rose mit Hang zum Krimi: Interview mit Olga Ivanova zum Stück Der Name der Rose am Kriminaltheater Berlin.“ Der Name der Rose  von Umberto Eco ist ein Buch über Bücher, über Bibliotheken und über Menschen, die sich in Bücher vertiefen. Ist Olga Ivanova solch ein Mensch? Willkommen beim Interview mit der Schauspielerin, die  als Zweitbesetzung in „Der Name der Rose“ (Erstbesetzung Jenny Löffler) im Kriminaltheater Berlin das namenlose Bauernmädchen spielt. Der Autor Umberto Eco über seinen Roman: „Die Idee zu dem Titel ‚Der Name der Rose‘ gefiel mir, denn die Rose ist eine Symbolfigur von so vielfältiger Bedeutung, dass sie fast keine mehr hat […] Ein Titel soll die Ideen verwirren, nicht ordnen“. Greift die Inszenierung seitens des Kriminaltheaters Ecos eigenes interpretatorisches Verständnis auf? Wie weit bricht sie die „Rose“ als Symbol herunter oder fächert sie mit ihren Implikationen und Assoziationen auf? Der Film von Jean Jacques Annaud, produziert von Bernd Eichinger, mit Sean Connery als William von Baskerville, kam 1986 in die Kinos. Olga frage ich nach den aus ihrer Sicht einschlägigen Gründen für den internationalen Erfolg des Buches und seiner Verfilmung. Die gebürtige Russin, aus Tscheboksary (Republik Tschuwaschien), kam als Neunjährige nach Deutschland, nach Hessen. Seit 2020 lebt sie in Berlin. Olga ist an der Berliner Schule für Schauspiel ausgebildet, für Bühne und Film. Am Theater und auf der Leinwandwirkt sie in den unterschiedlichsten Rollen. Im Interview spüren wir dem Mysterium der Rose nach. 

April: Podcast-Interview: „Disziplin zu haben ist das wahre Talent: Interview mit den Orchestermusikern Karla Wulff und Georgio Bani von der Konzerthausakademie Berlin“ Karla Wulff aus Dänemark und Georgio Bani aus Italien sind seit 2024 junge Nachwuchsmusiker der Kurt-Sanderling-Konzerthausakademie Berlin und Musiker des Konzerthausorchesters am Gendarmenmarkt. Karlas Instrument ist der Kontrabass, Giorgio spielt Querflöte. Karla Wulff studiert an der UdK. Sie hat u.a. im Königlichen Dänischen Orchester gespielt. Mit der Norddeutschen Philharmonie Rostock und dem Philharmonischen Kammerorchester Wernigerode ist sie als Solistin aufgetreten. Giorgio Bani hat zunächst in Bergamo studiert. Aktuell ist er Masterstudent an der Hochschule für Künste Bremen. Orchestererfahrung hat er u.a. als Mitglied der Akademie der Magdeburgischen Philharmonie gesammelt. Beide Musizierende berichten darüber, wie ihr Musiktalent entdeckt und gefördert wurde, weshalb sie Feuer und Flamme für Kontrabass und Querflöte sind. Natürlich, Berlin ist anders als Kopenhagen und Bergamo. Der 25-jährige Italiener und die 26-jährige Dänin atmen gerne Berliner Luft und wissen die bunte Offenheit Berlins zu schätzen. Ein weiterer Schwerpunkt unseres Gesprächs ist die Frage, was ein musikalisches Talent ausmacht und welche Eigenschaften notwendig sind, um in einem Orchester, also in einem Musikerteam, zu spielen.

April/Mai: „Eine Kunst, die Esperanto kann. Ekaterina Koroleva begeistert sich für die Urban Art“ (Interview). Korolevas Arbeiten sind konzeptbasiert, sie drücken Individualität aus und  bieten emotionale Resonanz. Alles mehr als bloß dekorativ.  Ekaterina ist in Russland geboren. Als Zweijährige kam sie 1985 mit ihrer Familie nach Berlin. Ihre Kindheit verbrachte sie im Norden der Stadt. Russische Märchen und traditionelle Folklore regen ihre Arbeiten an. Die Berliner Kieze nimmt sie als tonangebend in Sachen Trends wahr. So hat sie sich etwa in das Tempelhofer Feld und Kreuzberg verliebt. Die staatlich geprüfte Grafikdesignerin kooperiert als Illustratorin mit namhaften Labels. Als Urban Artist nimmt sie an verschiedenen Projekten teil. Ihr Markenzeichen: Frauenporträts in enger Verbindung mit botanischen Elementen. 

Juni: „Exklusivkompetenz der Kunst für Zeitthemen? Berlin Biennale-Direktor Axel Wieder gibt seine Einschätzung“ (Podcastinterview). 
Die Berlin Biennale steht für Neuerung und Aufbruch im internationalen Kontext – und für Unabhängigkeit vom Kunstmarkt. Berlin präsentiert sich als Ankerpunkt auf der internationalen Landkarte der Kunst. 
Schon lange vor seiner leitenden Tätigkeit für die Berlin Biennale 2025 war Axel Wieder selbst begeisterter Besucher dieses Kunstevents. In unserem Gespräch erörtern wir unter anderem die Frage, ob Kunst eine Exklusivkompetenz hat in der Auseinandersetzung mit dem aktuellen Zeitgeschehen. Außerdem: Lassen sich zwischen der Biennale Venedig oder der Documenta Kassel Vergleiche zum Standort Berlin ziehen? 2025 war Zasha Colah aus Indien Kuratorin. 2027 wird der Ukrainer Vasyl Cherepanyn kuratieren. Wir blicken zurück auf die Biennale 2025 und voraus auf 2027: Was fand beim Publikum 2025 – das waren immerhin 130 000 Besucher - besonderen Anklang? Was wurde kontrovers diskutiert? Wie gestaltet sich die Interimsphase zwischen zwei Biennalen? Gibt es schon einen Ausblick auf 2027? 
Axel Wieder, gebürtiger Stuttgarter, war von 2018 bis 2024 Direktor der Bergen Kunsthall. Gemeinsam mit seinem Team hat er in Norwegen ein vielbeachtetes Programm mit internationaler Ausrichtung bei lokaler Verankerung produziert. Von 2014 bis 2018 war Axel Wieder Direktor von Index – The Swedish Contemporary Art Foundation in Stockholm. Im Zeitraum 2012 bis 2014 leitete er das Programm des Arnolfini in Bristol. Er war Verantwortlicher von Ludlow 38, Goethe-Institut in New York (2010-2011) und Leiter des Künstlerhaus Stuttgart (2007-2010). 1999 gründete Wieder zusammen mit Katja Reichard und Jesko Fezer die Buchhandlung und Diskursplattform Pro qm in Berlin. Axel Wieder studierte Kunstgeschichte und Kulturwissenschaft an der Humboldt-Universität Berlin und der Universität Köln.
Die Berlin Biennale, eines der wichtigsten Foren für zeitgenössische Kunst, wurde 1996 gegründet. Seit 2004 wird die Berlin Biennale von der Kulturstiftung des Bundes gefördert. Sie gilt als „kultureller Leuchtturm“, der nicht allein bundesweit Beachtung findet, sondern seine Signale in die Welt aussendet. 

Juni: „Kann denn Sprache Sünde sein? Schauspieler Caner Sunar kommentiert die Aufführung des ‘Pygmalion’ am Deutschen Theater Berlin“ (Podcastinterview).
Sprache ist eine der verräterischsten Lebensäußerungen. Sie signalisiert Elite, Prestige, Erfolg und Macht. Und eben auch das Gegenteil. In George Bernard Shaws „Pygmalion“ (1913 uraufgeführt) spricht Eliza Doolittle Cockney English. Damit tritt sie hohen Herrschaften unbekümmert auf den Schlips und auf den Rocksaum. In der feinen Londoner Gesellschaft ist sie deshalb persona non grata. Der Sprachwissenschaftler Henry Higgins sieht sie als Studienobjekt und Trophäe. Er wettet, sie durch sein Sprachtraining innerhalb von wenigen Monaten von der Blumenverkäuferin zur vollendeten Gesellschaftsdame machen zu können. Der Titel des Theaterstücks verweist auf die Mythologie und auf Ovids Metamorphosen als frühes Zeugnis. Der Bildhauer Pygmalion verliebt in die von ihm geschaffene weibliche Marmorstatue. Die Liebesgöttin Venus verwandelt das Kunstwerk in eine lebendige Frau. 
In der Aufführung des „Pygmalion“ am DT (Regie: Bastian Kraft) wird Eliza gleich mehrfach besetzt. Die Inszenierungsidee  bringt auf faszinierende Weise die „Ballroom“-Subkultur mit ins Spiel. „Wir sind umgeben von Verwandlung“ (C.S. im Interview). Und Higgins selbst – ist der Lehrer lern- und wandlungsfähig? Mehr dazu im Gespräch mit Caner Sunar, der im Deutschen Theater das Blumenmädchen Eliza spielt: „Ej Alter, kaufste Blumen, ej?“ Cockney English mal auf Deutsch. 
Caner Sunar, geboren in Antakya (Türkei), studierte am Thomas Bernhard Institut des Mozarteum Salzburg. Während seines Schauspielstudiums erwarb er Bühnenerfahrungen bei den Tiroler Volksschauspielen, am Landestheater Salzburg, bei den Salzburger Festspielen, am Düsseldorfer Schauspielhaus und am Werk X in Wien. Seit der Spielzeit 2017/18 ist Caner Sunar Ensemblemitglied am DT.
Das Deutsche Theater (DT) wurde 1850 als Friedrich-Wilhelm-Städtisches Theater eröffnet. Die Intendanten waren u.a Otto Brahm, Max Reinhardt, Heinz Hilpert, Thomas Langhoff, Ulrich Khuon: Seit 2023 ist Iris Laufenberg die Intendantin des DT. Die Hochschule für Schauspielkunst Ernst Busch und das RambaZamba Theater verdanken sich in ihren Anfängen dem DT; die Entwicklung der Theaterwissenschaft als akademische Disziplin ist untrennbar mit diesem Haus verbunden. Das Deutsche Theater wurde überdies mehrfach als „Theater des Jahres“ ausgezeichnet.

Juni/Juli: „Dem Vorbehalt die Stirn bieten: Andréa Botelhos Konzertreihe Komponistinnen!“ im Schloss Britz (Podcastinterview). „Ich bin in Rio de Janeiro geboren und habe früh erlebt, dass musikalische Exzellenz für Frauen nicht selbstverständlich anerkannt wird“, sagt Andréa Botelho, ihres Zeichens Dirigentin, Pianistin, Komponistin und Forscherin. Ihr Standpunkt:  Die Musikgeschichte wurde nicht vollständig erzählt. Das Ergebnis ist ein System des Vergessens, der Auslassung und der strukturellen Abwertung. Das Herzensanliegen von Botelho ist es, Ausgewogenheit und Gerechtigkeit herzustellen, Ungleichgewicht sichtbar  zu machen und vergessene Werke und Biografien zurück ins musikalische Bewusstsein zu holen. Sie will nicht nur „nachholen“, was lange übersehen wurde, sondern auch neue Perspektiven eröffnen – für das Publikum, für Musikerinnen und für die Musikgeschichte insgesamt. Komponistinnen sollten nicht als Ausnahme, sondern als selbstverständlicher Teil der Geschichte wahrgenommen werden. Doch Veränderung braucht Engagement, Wiederentdeckung, Repertoirearbeit und beharrliche Programmgestaltung. 
Mit ihrer Reihe „Komponistinnen!“ im Schloss Britz möchte Andréa Botelho an Komponistinnen erinnern, die über Generationen hinweg vergessen oder unterschätzt wurden. Sie versucht, neue Wege zu erschließen und einen Wandel im Markt anzustoßen, in dem das Motto „Weniger Blumen, mehr Respekt“ lauten sollte.

Juli: „Eine Ballerina zieht es zum Schauspiel. Ingrid Birkholz – das bewegte Leben einer Mimin“ (Interview). Die erfahrene und für ihr Metier glühende Schauspielerin Ingrid Birkholz hat für den Kulturring drei literarische Texte eingesprochen: „Hugo von Hofmannsthal ‚Das Glück am Weg‘ (Erzählung)“, „Lesung zu Novalis‘ 225. Todestag aus ‚Heinrich von Ofterdingen‘ (Romanfragment)“, „‘Weihnachten in Cochinchina‘ (Erzählung) von Joseph Roth“. Geboren ist Ingrid Birkholz 1944 in Nordhausen (Thüringen). Zunächst zog die Familie um in die Nähe von Bad Homburg im Taunus, 1950 nach Recklinghausen und schließlich nach Braunschweig. Als 1956 die Russen in Ungarn einmarschierten,  kam es zur Massenflucht aus der Kulturszene nach Deutschland. So kam auch die Primaballerina der Staatsoper Budapest, Dora Csinady, ans Staatstheater Braunschweig. Die 12-jährige Ingrid wartete auf sie am Bühneneingang und fragte, ob sie bei ihr tanzen lernen dürfe. Sie durfte. Ingrid lernte die darauffolgenden zwei Jahre bei ihr. An der Tanzakademie in Köln wurde sie 3,5 Jahre ausgebildet und hatte nach der Abschlussprüfung Engagements an den Städtischen Bühnen in Münster, Dortmund und Kiel. Doch immer mehr zog es sie zum Schauspiel. An der Musikhochschule Hannover reüssierte sie in der Aufnahmeprüfung für die Abteilung Schauspiel. Nach drei Jahren Ausbildung erhielt sie ihr erstes Engagement als Schauspielerin in Heidelberg, dann am Pfalztheater Kaiserslautern und bei den Recklinghäuser Ruhrfestspielen. 1976 kam sie an die Städtischen Bühnen Essen. Es folgten die Städtischen Bühnen Münster, 1981 – 1989 Osnabrück, das Staatstheater Saarbrücken,  und dann 10 Jahre am Theater der Altmark in Stendal (1994-2004). Nach ihrem offiziellen Abschied 2008 spielte sie bis 2018 als Gast dort noch weiter. 

Juli: “A foray into the artistic terrain of Rusudan Khizanishvili. ‘Double Exposure’, KORNFELD Galerie Berlin 2026” (Interview). Die Bedeutung von Mythen für ihre unverwechselbare Kunst veranschlagt die aus Georgien stammende Malerin sehr hoch. Die Weltdeutungsmodelle der überlieferten griechischen und römischen Mythen wie auch jene, die in der georgischen Kultur wurzeln, bilden in ihrem Werk eine psychologische, emotionale und kulturelle Architektur. Im Interview mit Rusudan Khizanishvili wird deutlich: Mythen fungieren in der Kunst als eine mögliche Form des Widerstands gegen politische Bevormundung und Reglementierung; Künstlerateliers können so eine Keimzelle des Protestes sein. Die Malerin will in Bezug auf ihr Herkunftsland nicht von “Identitätssuche” sprechen, nach ihrer Aussage ist dessen Identität schon da – ausgebildet in Erinnerung, Sprache und Geschichte, und diese aufspürbare Identität verlangt nach künstlerischer Gestaltung. Statt politische Statements abzugeben, wählt Khizanishvili andere Wege. Mit ihren inhaltlichen Bestrebungen akzentuiert sie Sensitivität und Ambiguität – ohne diese jemals in ein einzig gültiges Narrativ aufzulösen. In Künstlerateliers kann sich Schwäche in Stärke verwandeln. indem der Tendenz zur Simplifizierung - um Menschen in Unmündigkeit zu halten - eine differenzierte und vielschichtige Wirklichkeitssicht entgegengesetzt wird. In Khizanishvilis Malerei findet sich das Individuelle mit dem Gesellschaftlichen verschmolzen. Es werden überzeitliche Muster kenntlich gemacht, die unser (Seelen-)Leben durchziehen und formen. Malen ist für sie ein Akt, der die Vielschichtigkeit des Menschseins widerspiegelt. Film und Fotografie kommen bei Rusudan Khizanishvili als weitere Disziplinen hinzu. Inwiefern sich diese auf ihre Malkunst auswirken - auch das erfahren wir im Interview, in Khizanishvilis Ausführungen zum Ausstellungstitel “Double Exposure”.
Der Anlass unseres Interviews ist die Ausstellung:
Rusudan Khizanishvili – Double Exposure
Curated by Asja Wolf, 3 Jul  – 22 Aug 2026, KORNFELD Galerie Berlin
RUSUDAN KHIZANISHVILI ist 1979 in Tbilisi, Georgien, geboren. Die Künstlerin lebt und arbeitet in Tbilisi. Werke der Künstlerin sind Teil von herausragenden öffentlichen Kunstsammlungen und wurden 2015 auf der 56. Biennale von Venedig gezeigt. Details hierzu und zu ihrer Ausbildung, ihren zahlreichen Einzelausstellungen, Gruppenausstellungen, Teilnahme an Kunstmessen, Residencies, Publikationen und Auszeichnungen sind dem Interview angefügt. 

August: Interview mit Jongleur Yvon Fragnière: „Im Wirbel der geworfenen Dinge“. Yvon Fragnières Spezialität ist die Keulenjonglage. Der 29Jährige ist in der Schweiz geboren, im bilingualen Freiburg, seine Muttersprache ist Französisch. Seit 2019 lebt er in Berlin. Yvon jongliert mit bis zu sieben Keulen. Im Verlauf unserer Unterhaltung wird klar: Jonglage ist Musik für die Augen. Aufgetreten ist Yvon neben Deutschland – in Berlin 2022 sogar in einer Show im Friedrichstadtpalast - schon in der Schweiz, in der Türkei, in Schweden, in Italien und in den Niederlanden. Demnächst wird Yvon bei einem Straßenfestival in Polen dabei sein.

September: Interview mit Stadterzähler Carl-Peter Steinmann: „Fußtouren jenseits des Gängigen“. In den 1980er Jahren ist Steinmann auf den Geschmack gekommen und hat seither nicht mehr davon abgelassen, andere in die Geheimnisse Berlins einzuweihen. Sein Zielpublikum sind vor allem Berliner, die durch seine Geschichten „ihre“ Stadt von einer verblüffend neuen Seite erfahren. Es gibt zahlreiche belegbare Vorkommnisse und vielschichtige Verflechtungen im urbanen Raum, von denen die Nachschlagewerke versäumen zu berichten, die aber für das tiefere Verständnis der zunehmend fragmentierten Stadtwirklichkeit aufschlussreich sind. Steinmann hat über die Stadthistorie Berlins geforscht und es gelingt ihm, der sich in der Traditionslinie des flanierenden und notierenden Stadtbeobachters bewegt, sein fundiertes Wissen anekdotisch aufzubereiten. Ab 1985 hat der gebürtige Westfale, der in Berlin aufwuchs, die ersten Audio-Guides „Berlin im Ohr“ - Entdeckungsspaziergänge mit Walkman – entwickelt und damit selbst Geschichte geschrieben.

September: „It’s MAGIC: Den Sinn für das Unerklärliche wachhalten“ Interview mit den  Gründern des „Magicum“ in Berlin Mitte, Auguste Gischler und Rob Brown. Klassische Zaubertricks wie der verschwundene Elefant, das herbeigezauberte Goldfischglas, die schwebende Jungfrau -  und eine Vielzahl neuer bezaubernder Darbietungen: Ohne dahinterzusteigen, bewundern wir die geschickte Manipulation und die Fähigkeit des Illusionisten, durch Konzentration, exaktes Timing und gekonntes Multitasking die Sinne der Zuschauenden - gerade in der laut Max Weber „entzauberten Welt“ -  mit Unglaublichem zu konfrontieren. Im Unterschied zu akademischem Spezialwissen gelingt es der profan-gauklerischen Unterhaltungsmagie, die Massen zu erreichen. Das Publikum genießt die Perfektion der Illusion, den Reiz des Rätselhaften. Die Wunderwerke des Zauberkünstlers belegen seinen Wissensvorsprung vor dem Publikum, seine versierte Überlegenheit. Und vor allem diese Könnerschaft bewundern wir an der Person des Bühnenmagiers. Und trotzdem: Auf der Willkommenstafel des MAGICUM, dieses unglaublichen Museums in Berlin Mitte, fällt ein Satz mit dem Potenzial eines Credos ins Auge. Durch ihn verstehen wir, dass Magie nicht allein in bloßen Zaubertricks gipfelt. Vielmehr gilt es, den Sinn für das Unerklärliche wachzuhalten: „Ein blauer Planet, kreisend in der Unendlichkeit – welch eine Magie!“. Auguste Gischler und Rob Brown wuchsen mit vielfältigen kulturellen Einflüssen auf.  Als Solisten standen die beiden Tänzer u.a. im Berliner Friedrichstadtpalast auf der Bühne. Das Paar brachte von zahlreichen Reisen für ihr Museum Kunst und Kunsthandwerk aus fernen Weltgegenden mit. Im interaktiv ausgerichteten „Magicum“ treffen wir auf eine faszinierende Mischung von Dokumenten und Impressionen zur Kulturgeschichte, Religion, Mystik, Esoterik, Alchemie und dürfen eine entzückende kleine Zaubershow erleben.

September: „Echte Entwicklungsprozesse verdanken sich dem Live-Publikum. Elizabeth Best und Robert Best: Die Magierin und der Akrobat glühen für die Bühne“. Elizabethist in Plymouth, Devon, im Südwesten Englands geboren. Sie kam 2010 zum ersten Mal nach Deutschland, für ein Varieté-Engagement in Leipzig gemeinsam mit ihrem damaligen Bühnenpartner. Wieder zurück in England entschieden sie, nach Leipzig zu ziehen. 2013 lernte Elizabeth Robert kennen, verbrachte zunehmend mehr Zeit in Berlin und zog schließlich 2014/2015 dauerhaft in die Hauptstadt.
Engagements hatte sie unter anderem auf Kreuzfahrtschiffen, in Theatern und Varieté-Produktionen. Sie unternahm u.a. eine Theatertournee durch Rumänien. In Leipzig trat sie im Krystallpalast Varieté auf, in Berlin im Wintergarten Varieté. Ihr Weg führte sie nicht nur durch Europa, sondern auch nach China und in die USA. 2016 war sie Mitbegründerin der Show „The Evolution of Magic in Blackpool“. Die Show findet seitdem jedes Jahr statt. In „Britain’s Got Talent“ war sie 2019 und 2024 Halbfinalistin. Robert Best ist gebürtiger Pole und zog 1989 im Alter von sechs Jahren mit seiner Familie nach Berlin. Er ist professioneller Handstandartist, Akrobat und Entertainer. Seine Ausbildung absolvierte er an der Staatlichen Artistenschule Berlin von 2002–2005. Tourneen führten ihn durch Europa, nach Japan, Afrika und in die USA. Ausgewählte Spielorte in Deutschland waren u.a. Schmidts Tivoli in Hamburg, Krystallpalast Varieté, Leipzig, Wintergarten Varieté, Berlin sowie das hiesige Pfefferberg Theater. Robert blickt auf zahlreiche Firmenevents, Gala- und Tourneeproduktionen zurück. Aktuell konzentriert er sich auf „Beathoven“ – Beat für Elise, eine neue Show, die er gemeinsam mit zwei befreundeten Künstlern entwickelt hat. Die Produktion verbindet seine charakteristische Handstandakrobatik mit Live-Musik, Gesang, Beatboxing und Comedy.

Oktober: „Partizipation als Auftrag – glaubhaft und gegenwartsrelevant“. Miriam Kilali setzt den Schwerpunkt „Partizipation“ ihres Master-Studiengangs an der HdK, heute UdK, in ihren Kunstprojekten wegweisend um. Geboren ist sie in Bendorf, Nähe Koblenz, aufgewachsen in Mainz. Seit 1984 in Berlin lebend. Das Projekt „Reichtum“: Die Urheberin konzipiert das erste Obdachlosenheim,  das den BewohnerInnen beim Aufwachen das Kristall der Kronleuchter, den Stuck an der Decke, die golddurchwirkte Tapete und die Designermöbel zeigt. Realisiert in Moskau „Hotel Marfino“ 2005; im Haus Schöneweide, Berlin, 2008. Dieses Projekt rief ein weltweites Presseecho hervor, von New York bis Tokyo. „On Air“ (2010): In der Mainzer Innenstadt hat die Künstlerin über die Dauer einer ganzen Woche mehrmals täglich eine Klanginstallation ertönen lassen: die Glocken des Petersdoms wechselten mit dem Muezzinruf aus der Blauen Moschee in Istanbul. Der Vatikan reagierte prompt. Das Projekt "Eternity. Sei präsent in der Ewigkeit" (2023): Kilali sandte von Monheim bei Köln eine visuelle Botschaft via Laserinstallation ins All, die von der ISS erfasst wurde. Insbesondere in Kilalis partizipativen Projekten lässt sich der Appell feststellen, die Wirkkraft der Ästhetik als impulsgebend für gesellschaftliche Veränderungsdynamiken zu nutzen. 

November: „Lovis Corinth in seiner Stadt der Möglichkeiten“. Ein Gespräch mit der Leiterin der Sammlung Bildende Kunst der Berlinischen Galerie Dr. Stefanie Heckmann und Kuratorin Dr. Janina Nentwig zur Ausstellung „Lovis Corinth. Dann kam Berlin!“ (09. Oktober 2026 bis 25. Januar 2027) . Lovis Corinth (1858 – 1925) gehört mit Max Liebermann und Max Slevogt zum oftzitierten „Dreigestirn des deutschen Impressionismus“. Ein erheblicher Teil seines Œuvres geht jedoch über diese Zuordnung hinaus. 1901 kehrt der Maler München den Rücken, enttäuscht über die fehlenden Entwicklungsmöglichkeiten und die ausbleibende Anerkennung. Er wechselt nach Berlin. Dort wird Corinth überwiegend freundlich, wenn nicht gar begeistert aufgenommen. Mehr dazu im Interview. Stefanie Heckmann studierte Kunstgeschichte und Germanistik in Stuttgart und Heidelberg. Seit 2014 ist sie Leiterin der Sammlung Bildende Kunst der Berlinischen Galerie. Janina Nentwig studierte Kunstgeschichte, Europäische Ethnologie und Kommunikationswissenschaft in Münster und Wien. Die Ausstellung entstand mit maßgeblicher Unterstützung durch die Staatlichen Museen zu Berlin, namentlich die Alte Nationalgalerie, die Neue Nationalgalerie und das Kupferstichkabinett sowie durch die Stiftung Stadtmuseum Berlin: Berlin Museum. Die Berlinische Galerie wurde 1975 als Verein von engagierten, kunstinteressierten Bürger*innen gegründet und ist seit 1994 ein Museum des Landes Berlin. 

November: „Noch abwarten oder jetzt zuflüstern?“ Antonia Schrimer souffliert in Luk Percevals Inszenierung „Warten auf Godot“ am Berliner Ensemble. In diesem Paradebeispiel des Theaters des Absurden sucht man die Stützpfeiler des herkömmlichen Dramas vergeblich. Ebensowenig lassen sich verbindliche Orientierungen ausmachen. Beckett jedenfalls meinte, hätte er gewusst, wer oder was Godot sei - also, auf wen oder was gewartet wird -  hätte er es im Stück gesagt. In der Inszenierung am BE spielt Paul Herwig den Wladimir, in der Rolle des Estragon Matthias Brandt. Oliver Kraushaar und Jannik Mühlenweg sind Pozzo und Lucky. Seit fünf Jahren ist Antonia Schirmer aus Thüringen Souffleuse am Berliner Ensemble. Sie souffliert auch im Stück „Warten auf Godot“. Aber sie „flüstert“ nicht, wie für eine Souffleuse üblich, aus einer „Muschel“, aus der ersten Publikumsreihe oder hinter der Bühne sitzend. Die Aufführung am Berliner Ensemble ist auch dadurch außergewöhnlich, dass die Souffleuse – für die Zuschauerschaft sichtbar - aus der Portalloge Becketts Bühnenanweisungen vorträgt, während Wladimir und Estragon verwundert und verdutzt zuhören, den Vorgaben aber nicht Folge leisten.  Antonia Schirmers Beruf und ihr Mitwirken in „Warten auf Godot“ sind unter anderem Themen unseres aktuellen Kulturring-Podcasts. Die nächste Aufführung von „Warten auf Godot“ am Berliner Ensemble findet am 15. Dezember 2026 um 19:30 Uhr statt.

November: Zur Ausstellung „Geteiltes Leben. Kunst und Migration in Berlin“ im Ephraim Palais: Interviews mit Aurora Rodonò, Kuratorin für Migrationsgeschichte am Stadtmuseum Berlin,  sowie mit den beteiligten Künstlern Minh Duc Pham (*1991 in Bad Schlema/Sachsen) und Ximena Ferrer Pizarro (*1994 in Lima/Peru). Näheres folgt in Kürze.

Weitere Details folgen

Zusätzliche TeilnehmerInnen werden im Jahresverlauf rekrutiert

Was die genannten Kunst- und Kulturschaffenden sowie die Terminierung betrifft, sind Änderungen vorbehalten.

Weitere Details in den Podcastbegleittexten oder auf den Projektseiten.

Kontakt: martina.pfeiffer@kulturring.berlin